Una obra de Pablo Picasso, en una exposición multimedia y digital llamada “Picasso y los maestros españoles” en Les-Baux-De-Provence, Francia. La exposición incluye obras de Goya y Sorolla.

El Museo del Ferrocarril Jesús García Corona, realizará un programa de flamenco con bailaores potosinos.

El jueves 29, a las 18:00 horas con “Flamenca” a cargo de Carolina Galván; a las 19:00 horas un concierto de fusión de música mexicana, con jazz y flamenco, a cargo del músico mexicano Jorge Morenos y el pianista Samuel Martínez Herrera.

El viernes 30, a las 12:30 horas, la Segunda Muestra de Solistas y a las 14:30 “Baile Mujer” de la compañía Arte Flamenco de Karla Guzmán de la Ciudad de México.

Para el sábado 31, a las 13:00 horas “Noche de Juerga” a cargo de “Brújula Flamenco Dinámico” y a las 14:30 horas, “Buenaventura en mente y espíritu” de Baji-suncai, compañía de danza flamenca de la Ciudad de México.

En este lapso, se realizará el segundo tianguis ferrocarrilero, desde las 11:00 am a las 17:00 horas.

LONDRES (EFE).- La doble escultura del artista colombiano Fernando Botero «Adán y Eva», formada por dos figuras de bronce de más de tres metros de altura, se subastó hoy en la casa británica Bonhams por 2.04 millones de libras (2.9 millones de dólares).

La obra, elaborada en 2003, formaba parte de una subasta dedicada a la colección de arte que atesoraba en fallecido millonario saudí Walid Juffali.

Las esculturas han estado instaladas hasta ahora en un parque del condado inglés de Surrey, al suroeste de Inglaterra, el mismo lugar donde se celebró la subasta.

Las dos piezas de bronce muestran «la fascinación de Botero por la historia bíblica sobre el jardín del Edén, un tema recurrente en diversas pinturas durante su carrera», señaló en un comunicado un experto de Bonhams.

«Famoso por su uso del volumen y la escultura, Botero ha desarrollado un estilo único» que se inspira «en las tradiciones del arte folclórico latinoamericano, así como en las formas densas y movimientos audaces del barroco europeo», señaló ese experto.

El artista elaboró otras dos versiones de la pareja de esculturas «Adán y Eva», que se encuentran expuestas en espacios públicos de Nueva York y Singapur.

El jefe de Ventas de Bonhams, Charlie Thomas, sostuvo que Botero es «sin duda, una de las grandes figuras del arte latinoamericano» y consideró que el parque inglés donde están instaladas las esculturas de «Adán y Eva» permite «apreciar la escala y la belleza» de la obra.

En la misma subasta, se remataron asimismo otras dos esculturas de Botero, ambas tituladas «Mujer reclinada», elaboradas en 1993 y en 2003.

La primera de esas figuras se vendió por 788 mil libras (1.21 millón de dólares), mientras que la segunda alcanzó un precio de 1.08 millones de libras (1.53 millones de dólares).

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JERUSALÉN (EFE).- El Museo de Israel, que guarda los milenarios Rollos del Mar Muerto, unos misteriosos documentos bíblicos, muestra ahora durante tres meses un fragmento antiguo del apócrifo del Génesis, nunca expuesto antes al público, que se exhibe a través de una pionera innovación tecnológica israelí.

«Esto es parte de la copia del apócrifo del Génesis, el único testimonio físico de este documento en el mundo», cuenta el comisario de la exposición, Adolfo Roitman, mientras señala la vitrina donde está el fragmento del manuscrito, cubierta con un cristal inteligente diseñado para protegerle de cualquier tipo de degradación.

«Las luces que iluminan el documento, encendidas cada 30 segundos, están integradas dentro del propio cristal, una novedad tecnológica que permite al público ver el manuscrito y también evitar todo el daño posible al pergamino, que ya de por sí es enormemente sensible», añade el comisario, que considera los rollos del Mar Muerto como «una ventana al mundo antiguo».

El documento, escrito en arameo hace 2.100 años, «es una copia excepcional de las historias del libro del Génesis, nos permite conocer mejor las interpretaciones de estos pasajes bíblicos y saber cómo eran entendidos por los judíos de Palestina hace dos milenios».

El Santuario del Libro, compuesto por tres espacios en el Museo de Israel, «tiene una división tripartita que se inspira en los templos judíos antiguos», remarca Roitman.

Los Manuscritos del Mar Muerto, un total de ocho rollos, fueron descubiertos por beduinos en el año 1947 en las cuevas de Qumrán, a orillas del mar, y desde 1965 están expuestos en el Santuario del Libro, cuya tercera sala tiene una forma ovalada coronada por una cúpula blanca, elementos que recuerdan la tapa de la vasija donde se encontraron los documentos antiguos.

«Intentamos preservar los manuscritos como se preservaron durante 2.000 años en las grutas de Qumrán», destaca el experto.

Sin embargo, «no podemos evitar su destrucción, porque los pergaminos son materiales orgánicos destinados a desaparecer, pero hacemos más lento su proceso de degradación cuidando el nivel de humedad y de temperatura en que se exhiben».

El pequeño fragmento expuesto del apócrifo del Génesis, un pergamino con estado de deterioro avanzado que será exhibido tres meses más para guardarse después bajo estrictas medidas de conservación, está sellado en una vitrina que cuenta con un dispositivo de registro de datos que permite conocer el grado de temperatura y humedad de la caja.

Según Roitman, este sistema tecnológico avanzado «permite saber si las condiciones climáticas del documento se ven modificadas y así cambiar la estrategia de exposición».

«El propósito es exponer el manuscrito original, pero siempre teniendo en cuenta que nuestra obligación es preservarlo para las próximas generaciones», comenta el comisario, que subraya el valor del contenido del manuscrito.

«El contenido del fragmento expuesto es la columna diez del apócrifo del Génesis y trata sobre el patriarca bíblico Noé después del diluvio universal», explica.

«En la versión bíblica del Pentatéuco, el Dios de Israel, Yavé, ordena a Noé que salga del arca con su familia. Una vez fuera, el patriarca realiza un sacrificio de agradecimiento, pero en el fragmento del apócrifo del Génesis, se nos dice que el sacrificio no se hizo fuera del arca, sino dentro de ella», dice, desvelando uno de los contenidos destacados del excepcional pergamino.

CIUDAD DE MÉXICO (AP) — Donde hoy se pasean hombres y automóviles, alguna vez flotaron canoas.

El 21 de septiembre de 1629 empezó a llover y la tormenta no paró durante 36 horas. El agua barrió animales y sepultó carretas. En menos de dos días, se tragó las calles de la capital de México.

Algunas crónicas novohispanas y posteriores conservan esbozos de la tragedia, pero quizá el único sobreviviente es un mascarón en la esquina de un edificio en las calles de Motolinia y Madero. Aunque se ha deteriorado, la figura de piedra aún define la cabeza de un león. Su cara felina se alza más de dos metros porque según el escritor y periodista mexicano, Héctor de Mauleón, marca el nivel que alcanzó la inundación.

Hoy no hay nada que cuente esta historia a quienes pasan por ahí, pero pronto lo habrá. Junto con su amigo y colega, Rafael Pérez Gay, De Mauleón encabeza un proyecto apoyado por el gobierno local para colocar 200 placas artesanales que recuperan la memoria de algunas calles de la ciudad.

La geografía de esta metrópoli es su condena. Hace seis meses un terremoto dejó más de 200 muertos y 32 años atrás otra sacudida de la Tierra robó miles de vidas. La ciencia lo ha confirmado: la ciudad que nos trazaron recubre el lecho de un lago y sobre él se asentaron las construcciones. Por eso aquí una catástrofe aumenta su fuerza destructiva y el golpe de la naturaleza es más letal.

A De Mauleón le entusiasma su proyecto porque a veces nos falla la memoria. Los citadinos solemos creer que en nuestra historia no ha habido nada peor que los sismos, pero la tromba de 1629 -asegura el escritor- ha sido la tragedia más grande que ha vivido la ciudad.

El paso del agua —cuya ferocidad creció debido al desborde de los lagos circundantes—mató a 30.000 y provocó el abandono de la ciudad durante cinco años, según los recuentos de la época. Aunque casi todos los habitantes se fueron o murieron, unos 400 se quedaron y aprendieron a vivir como personajes de un filme apocalíptico.

Como no había drenaje ni alcantarillas, la gente se transportaba en balsas, habitaba los segundos pisos de sus casas —a los que accedía por los balcones— y escuchaba misas desde las azoteas donde los sacerdotes ofrecían consuelo. Sin embargo, a veces el alivio era insuficiente y los sobrevivientes saciaban su sed en las mismas aguas que sacaban a flote cadáveres de bestias y personas. Cuando las epidemias llegaron, la cifra de víctimas aumentó.

Se dice que en 1633 no hubo más lluvia y el agua se evaporó. La gente volvió para darse cuenta de que la mayor parte de los edificios estaban arruinados y debían reconstruirse. Por ello casi no hay ejemplos de arquitectura anterior al siglo XVII y lo que vemos pertenece a una época posterior.

“Todo lo previo desapareció y lo único que queda de ese mundo es este mascarón”, dice De Mauleón.

¿Por qué sobrevivió? Nadie lo sabe; es uno de los enigmas de la ciudad. “Lleva ahí muchos siglos y nadie se explica. Estuvo en una casa que fue derrumbada pero después alguien lo encontró y lo volvió a colocar”.

Hoy la casa es una óptica. Frente a ella un hombre limpia zapatos y un McDonalds despacha hamburguesas. Miles pasan a diario sin saber que existe, pero el león pareciera observarlo todo como un fantasma de la ciudad.

Obras originales del misterioso y famoso artista de grafitis callejeros en casi todo el mundo, el presuntamente británico Banksy, se exhiben desde en una exposición montada en Berlín, pero sin que el autor se haga presente.

La exhibición de 60 obras en una de las galerías de tiendas en el corazón de la ciudad esboza su trayectoria en ascenso, quien de ser un artista callejero se ha convertido en una superestrella del grafiti aclamado a nivel internacional.

Las obras que se muestran hasta el 15 de junio son dibujos, pinturas y esculturas originales. Las obras de Banksy abordan temas políticos y sociales que cuestionan lo establecido. «Es antiguerra, antifascismo, anticonsumismo, antiautoritarismo».

Muchas de sus obras son golpes de efecto contra la pobreza, la codicia, la hipocresía, la desesperación, el enajenamiento y el absurdo.

Muy pocos conocen su identidad y no la revelan. Bansky quiere permanecer anónimo a pesar de que ya ha escrito con sus grafitis Historia del Arte, siempre con un tono satírico y subversivo, humorístico e incluso poético.

Banksy comenzó como artista de grafiti entre 1990-1994 y en ese tiempo conoció al fotógrafo de Bristol, Steve Lazarides, quien comenzó a vender sus obras y se convirtió más tarde en su agente.

El primer mural conocido de Banksy fue «The Mild Mild West» pintado en 1997. Sus plantillas generalmente presentan imágenes llamativas y humorísticas combinadas ocasionalmente con eslogans. En 2002 Banksy tuvo su primera exposición en Los Ángeles, California, titulada «Existencilism», pero sin hacerse presente.

Sin embargo, la interrogante sobre su identidad permanece abierta, a pesar de que es reconocido a nivel mundial por sus grafitis en puentes, calles, muros y en los últimos años incluso pintó grafitis en varios de los mejores museos del mundo.

Entre los museos “atacados” por Banksy se cuentan la Tate Modern, Metropolitan Museum of Art, el Louvre, New York Museum of Modern Art, el Brooklyn Museum y el American Museum of Natural History.

En el British Museum se descubrió una pintura de Banksy que representa a una persona que sale a la caza con un carrito de supermercado, totalmente enajenado por el consumismo.

En 2002 pintó en el oriente de Londres en rojo y negro a una niña que suelta un globo para que se eleve y éste tiene forma de corazón. Para 2017, ese grafiti se había convertido en la pintura preferida de los británicos, de acuerdo a una encuesta de Samsung TV. La pintura lleva el nombre de “Balloon Girl” o «La Niña del Globo».

Banksy hizo la pintura en la fachada de un comercio londinense. La pared en donde apareció su obra fue separada del resto de la estructura y se subastó en 500 mil libras esterlinas (alrededor de 560 mil euros).

Banksy es considerado el artista callejero más famoso y al mismo tiempo más misterioso de todos los tiempos, sin embargo existe la teoría de que no se trata de una persona, sino de un colectivo.

Los Ángeles.- La muestra “City and Cosmos: The Arts of Teotihuacan”, que puede verse desde ayer en el Museo de Arte del Condado de Los Ángeles (LACMA, en sus siglas en inglés), presenta los nuevos hallazgos en las grandes pirámides del complejo arqueológico y alrededores del que fue núcleo vital de Mesoamérica.

La exposición, abierta hasta el 15 de julio en el pabellón Resnick, incluye casi 200 obras, desde esculturas monumentales realizadas en piedra volcánica hasta pinturas murales polícromas y pequeñas piezas hechas con piedra verde preciosa, obsidiana y cerámica, muchas de las cuales no han sido presentadas antes en Estados Unidos.

“Es una exposición que me fascina por la cantidad de descubrimientos que presentamos y que revelan las historias de esta gran ciudad”, dijo a Efe Megan O’Neil, responsable de contenidos del proyecto.

“Nos centramos en las ofrendas (enterradas bajo las grandes pirámides del Sol, de la Luna y de la Serpiente Emplumada) y objetos provenientes de los conjuntos residenciales para dar una idea del tipo de ciudad que era, multicultural, urbana y cosmopolita, increíblemente importante para las Américas y para el mundo”, añadió.

La muestra fue presentada previamente en el Young Museum de San Francisco bajo el título “Teotihuacan: City of Water, City of Fire”, del 30 de septiembre pasado al 11 de febrero.

Piezas

El principal curador de la exposición, Matthew Robb, fue el encargado de seleccionar las piezas de la muestra, una tarea a la que dedicó cinco años. Tras su paso por Los Ángeles, se espera que la colección viaje a otras ciudades estadounidenses y también a México.

“Hay muchos objetos que se están presentando aquí por primera vez porque son resultado de investigaciones recientes.

Los Ángeles y LACMA son un pedacito de México y nos da gusto que se presenten aquí”, comentó a Efe Diego Prieto, director general del Instituto Nacional de Antropología e Historia de México (INAH).

Antigua ciudad

La antigua ciudad de Teotihuacán floreció en el valle de México durante el primer milenio d.C. y fue en su momento el mayor centro urbano en las Américas.

La muestra explora cómo Teotihuacán lograba crear una identidad cívica cohesionada y cómo los objetos que se presentan estaban colocados de maneras específicas para conmemorar la fundación ancestral de la ciudad y forjar relaciones con fuerzas vitales como el fuego y el agua.

Colección

La colección arranca con los nuevos hallazgos de Tlalocan, el nombre dado a una ofrenda subterránea, simulación del inframundo cósmico, descubierta en 2003 por un equipo de arqueólogos mexicanos dirigidos por Sergio Gómez.

Cerca de la última cámara del túnel había cuatro esculturas, dos de las cuales están en la exposición.

“Representan a los primeros fundadores de Teotihuacán y uno de ellos es una mujer. Esto es algo que se sabe en México, pero nunca ha sido formalmente exhibido. Lo será y estará en un lugar destacado”, señaló Prieto.

Las siguientes secciones cubren las manifestaciones artísticas realizadas con materiales locales e importados y las deidades que personificaban fenómenos de la naturaleza como la lluvia, los rayos, el fuego, el agua o el maíz.

Cuna de grandes civilizaciones

“Vendrá gente de todo el mundo a admirar la cuna de una de las grandes civilizaciones originarias del mundo, fundada en la domesticación del maíz y el desarrollo de la milpa, un gran policultivo agroalimentario que nutrió a todo un continente”, detalló Prieto, quien destacó las similitudes entre la antigua ciudad y Los Ángeles.

Ciudad de México.- La danza es pasión, es amor y no tiene fin, y aunque no es negocio, es satisfacción, consideró la experimentada coreógrafa mexicana Gladiola Orozco, una mujer quien desde los 15 años de edad volteó su mirada al arte dancístico.

Orozco, quien fue fundadora y directora, junto con Michel Descombey del desaparecido Ballet Teatro del Espacio, recordó que para ella la danza llegó al entrar al Palacio de Bellas Artes a los 15 años de edad. “Para mí esa edad, entrar a Bellas Artes en 1950, siendo miembro del Ballet Nacional, pisar, ver cómo la orquesta se afinaba, ese sonido lo tengo muy presente como los más bellos recuerdos que tengo, cubrir y ver el teatro, ver las musas que están en la parte alta de ese palacio es algo precioso”, aseguró Orozco, quien también fue una destacada bailarina.

Sueño cumplido

Entrevistada en su casa, llena de cuadros de imágenes de bailarines que decoran las paredes, la maestra agregó que todo eso de entrar a Bellas Artes, era un sueño enorme como el cuento infantil de “Alicia en el país de las maravillas”.

Ciudad de México.- Las historias ocultas debajo de los escombros, el morbo de los medios de comunicación, la inevitable comparación con el terremoto de 1985: el libro “Tiembla” recopila la mirada y las reflexiones de 35 autores sobre los sismos que azotaron México el pasado septiembre, para “reconstruir un relato colectivo”.

“Si la Historia con mayúscula es un proceso de relatos en pugna permanente, creo que la sociedad mexicana tiene el derecho de construir su discurso propio”, afirma en una entrevista con Efe el periodista Diego Fonseca, quien recopiló los textos de los 35 autores.

Lo dice la escritora Brenda Lozano en su crónica “Camuflaje”: “El terremoto es una acción breve compuesta por múltiples

historias largas”.

Y Fonseca, en este sentido, coincide: un temblor no es un relato único, sino la complejidad de las historias fragmentadas.

Lo que intenta “Tiembla”, en el que participan figuras como Juan Villoro, Martín Solares, Marcela Turati y Cristina Rivera Garza, es “empezar a poner un cierto orden, una primera mirada o aproximación al significado social y político, económico, que tienen los sismos”, apunta.

Cuando llegó a la capital tras el terremoto del 19 de septiembre -que vino antecedido por el del día 7 de ese mismo mes, que golpeó el sur del país-, al periodista argentino le sorprendió el silencio que reinaba en esa ciudad en la que vivió seis años y que recordaba como “bullanguera”.

“Creí que había una oportunidad de empezar a construir la narración del postsilencio”, argumenta.

Catarsis

Para algunos de los autores que sufrieron en propia carne los efectos devastadores de los sismos -que dejaron en conjunto 471 fallecidos en el país-, no fue fácil empezar a escribir, pero cuando comenzaron “se dieron cuenta de que necesitaban hacerlo”, porque no habían tenido tiempo anteriormente de pensar y ordenar sus ideas.

Fue un instante de “catarsis”, relata Diego Fonseca, quien agrega que “el ejercicio de introspección es siempre un ejercicio de derrumbamiento personal”.